mercredi 31 juillet 2013

N°113 - N.A.S.A - The Spirit Of Apollo - 2009


Comment vous parler d'un disque aussi dense, foisonnant et complexe? "The Spirit Of Apollo" fait partie de ces projets déments qui sont la somme d'une multitude d'entités opposées mais qui miraculeusement se marient dans une grande messe orgiaque. N.A.S.A est né des cerveaux malades de Sam Spiegel et Zé Gonzales, deux producteurs et DJ qui ont eu comme folle ambition de réunir sur un seul disque une forte quantité de musiciens issus d'horizons différents. Sur fond de conquête spatiale, les deux savants fous vont accoucher d'un joyeux bordel où se mêlent Chuck D, une grosse partie du Wu-Tang Clan, Santigold, M.I.A mais aussi Tom Waits, David Byrne ou George Clinton, et bien d'autres encore. Bref, que du beau linge qui donne le meilleur de lui-même. Si avec cela vous n'avez pas déjà cliqué sur le lien spotify, c'est que vous avez un sérieux problème.

Après une courte introduction qui fait office de mise à feu, voici que débarque "The People Tree" qui mélange rap à l'ancienne, reggae et refrain pop; bizarrement ça fonctionne très bien. Sans temps mort, "Money" creuse encore un peu plus le sillon Oldschool, la présence au micro de Chuck D n'est sans doute pas étrangère à ce sentiment. Avec un rappeur de la trempe de Method Man, inutile de préciser que le titre "N.a.s.a Music" envoie du lourd, du bon rap bien gras comme on n'en fait plus ou trop peu. "Way Down" offre à l'album un détour soul du plus bel effet, à noter la présence de RZA, toujours égal à lui-même. Tom Waits et Kool Keith quant à eux nous crachent un "Spacious Thoughts" qui fait froid dans le dos. Il faut entendre le Monsieur Loyal du rock éructer son texte tel un conteur absurde et malsain pour prendre toute la mesure de cette démentielle entreprise. Les protéiformes producteurs ont eu l'intelligence de créer des compositions toujours en harmonie avec les styles de leurs invités, ainsi George Clinton fait du Parliament-Funkadelic sur "There's A Party" et M.I.A fait du M.I.A sur "Wachadoin'?", mais toujours avec le petit plus qui offre toute sa cohérence au projet.

Sous bien des aspects, le travail de producteur effectué sur cet album fait penser à celui de George Martin sur "Sgt Pepper", tant il repousse les limites.

mardi 30 juillet 2013

Détournement de pochettes II

Le grand détournement continu. Sur le même thème que le premier post, je vous propose ici une petite sélection d'hommages aux grands noms du rock. Des pochettes légendaires revues et corrigées par des artistes 2.0, toujours avec humour et goût. Lego, culture vidéo-ludique et chatons sont à l'ordre du jour. Enjoie!





lundi 29 juillet 2013

N°112 - JJ CALE - Troubadour - 1976


En toute discrétion, JJ Cale a quitté son hamac le 26 juillet 2013. Soixante-quatorze années au compteur, c'est à la fois jeune et vieux, un âge presque honorable dans une profession à risque. Mais l'inventeur du "Tulsa Sound" était tellement à la marge du système, si discret qu'il paraissait immortel. JJ Cale était une légende, un secret d'initié avec son jeu de guitare "Laidback" constamment aux frontières du blues, du jazz et de la country. L'un de ces héros trop méconnus du rock auxquels la célébrité ne sied guère. Un homme humble et rare enregistrant des disques dans son coin, à son rythme, et délivrant des concerts au compte-goutte. Beaucoup de gens connaissent ses chansons au travers d'autres interprètes, notamment "Cocaïne", dont Eric Clapton fit un tube. L'ex-Cream ira même jusqu'à enregistrer un album entier avec Cale en 2006, l'excellent "Road To Escondido". 

"Hey Babe" le morceau qui ouvre le disque semble trouver son rythme dans le mouvement perpétuel du hamac, la guitare serpente paisiblement tandis que l'orchestre besogne sans le moindre stress. A peine le temps de prendre une bouffée d'air frais, que déjà il faut tailler la route, "Travelin' Light" est une de ces chansons qui invite au voyage; le rythme est tendu, vif, tout en demeurant très relax. Du pur Cale. "Hold On", Jazz vocal zébré de guitare country, un mélange de belle musique américaine jouée avec la plus grande décontraction du monde. Déboule ensuite "Cocaïne", l'originale, le joyau, infiniment supérieur à la version de Clapton. Le son y est profond, le "Tulsa Sound" dans toute sa splendeur, et puis il y a ce riff de guitare légendaire, qui comme tous les bons riffs est d'une simplicité désarmante. "I'm A Gypsy Man" est emprunté à Sonny Curtis, les délires guitaristiques de Cale atteignent ici un niveau rarement égalé. Le troubadour remonte ensuite dans sa caravane et nous emporte au pays de la soul avec un "The Woman That Got Away" impeccable. Retour vers des cieux plus calmes, plus bleus avec "Cherry", quintessence du style Cale, dépouillé et classe. La guitare danse dans la poussière du vieux sud, l'homme est assis devant son Airstream jouant sans fin. Quand vient la nuit il entonne un "You Got Me On So Bad" qui s'en va tutoyer les étoiles pour désormais rejoindre son créateur. 

samedi 27 juillet 2013

N°111 - DICK DALE & HIS DEL-TONES - King Of The Surf Guitar - 1963


Le son du rouleau, de la vague, de l'été et des bagnoles customisées. Dick Dale est le génial roi de la guitare surf, l'inventeur d'un son aquatique et véloce dont l'influence est encore palpable aujourd'hui. Sur les notes de pochettes d'époque on peut lire que Dick est un vrai surfeur et que son bronzage est authentique également. Un petit pied de nez aux Beach Boys qui eux, les imposteurs, ne savaient même pas nager (oui c'est très bas). "King Of The Surf Guitar" est le second LP de Dale, produit par Capitol, il trace la même route que "Surfers' Choice", son premier coup de maître paru l'année d'avant.

Introduction digne d'un roi avec "King Of The Surf Guitar", le morceau-titre, un petit rock-surf décontracté histoire de mettre l'auditeur à l'aise et de lui rappeler gentillement qu'il est en présence de la crème du genre. S'en suit un étrange "Lonesome Road" qui se déploie lentement pour finir en apothéose. Le son est profond et chaud, noyé dans un écho divin. "Kansas City" et "Dick Dale Stomp" poursuivent avec du rock 'n' roll boosté à la nitro, ce qui fait toujours son petit effet. Le guitariste n'oublie pas non plus de nous gratifier de quelques instrumentaux furieux dont il a le secret: "Hava Nagila", "Mexico", "Break Time" ou encore cette version complètement démentielle de "Ghost Riders In The Sky". Nul doute que les Choppers et autres Hotrods ont ici remplacé les antiques chevaux. Dick Dale est moins à l'aise lorsqu'il reprend "What'd I Say" de Ray Charles, la tension sexuelle qui faisait tout le sel de l'originale semble totalement disparaître ici, heureusement le solo de guitare arrive en maillot de bain rouge et sauve le morceau de la noyade.

Les rééditions des cinq premiers albums parus il y a quelques années chez Sundazed sont bien entendu les meilleures. Bonus tracks, pochettes originales et son dément, indispensable.  

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mercredi 24 juillet 2013

N°110 - ETIENNE DAHO - Eden - 1996


Estival et technoïde, "Eden" est une célébration du soleil et du sexe. Sans tabou aucun, Daho navigue entre glaçons et quilles sans que cela ne fasse la moindre différence. Ce disque me fait l'effet d'une bulle de fraîcheur qui protège de la (parfois) trop forte lourdeur de l'été. Constamment en équilibre entre le bleu d'azur de la mer et le soleil rouge feu. Les allusions bibliques sont légion, le jardin (Eden), le serpent, le paradis, l'enfer, comme pour s'excuser pour le péché de chair qui perdure tout au long de l'album.

"Au commencement", tel un plongeon dans l'eau fraîche, le son se trouble, un instant sourd puis tout démarre. Beat techno et pop orchestrale se mêlent en une chanson d'amour classe, plus British que franchouillarde, du Daho pur jus. Tout en légèreté, "Les passagers" évoque le désir charnel, le mélange des corps, le choc des rencontres et les désirs constamment inassouvis. L'homme a soif de luxure. "Les pluies chaudes de l'été" possède l'odeur de ses fameuses pluies, de corps détrempés et d'un rêve idyllique. La chanson fait référence à la fameuse scène de fin de "Breakfast At Tiffany's" avec une Audrey Hepburn parfaite en Holly Golightly. Plus loin, le jazz moderne de "Me manquer" vient un peu rompre la rumeur techno dans laquelle baigne l'album. L'été toujours, après Paris-plage, Londres et la tamise. A la manière de Gainsbourg et Birkin, Daho traverse la Manche. Juste après, "Soudain" et ses visions paradisiaques jouissent d'arrangements de luxe, ce qui n'est pas sans rappeler les grandes heures de grands compositeurs français tels que Francis Lai ou Michel Legrand. Enfin, "Quand tu m'appelles Eden" possède cette touche pop aérienne qui faisait tout le sel du Pink Floyd post-Barrett, un vrai régal. Comme toujours chez Etienne Daho, les textes sont d'une beauté rare et simple tandis que la voix s'enchevêtre à merveille avec cette pop d'une classe inouïe.

Malgré son côté electro très mid-90's, "Eden" s’écoute encore très bien aujourd'hui; l'album conserve toute sa fraîcheur. Son secret réside dans le fait que le son soit très peu compressé, à l'inverse de beaucoup d'enregistrements actuels, ce qui lui confère une chaleur et une rondeur hors de commun.

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mardi 23 juillet 2013

L'art de la pochette

Peut-on envisager un chef-d'oeuvre musical sans un écrin à sa juste valeur? Certainement, car beaucoup de disques souffrent du symptôme "pochette à chier, mais disque génial", mais à ces derniers il manquera toujours un petit truc pour passer réellement à la postérité: une pochette identifiable, comme un drapeau, un étendard rock planté sur le désert lunaire qu'est notre cerveau. Il est vrai que l'art ancestral de la pochette est une discipline principalement imputable au vinyle. Un format qui permettait (et permet encore) les plus folles extravagances. On a tous en tête les jaquettes tendancieuses créées par Warhol pour les Stones ou le Velvet Underground. Mais le format 33 tours permet également de mettre en valeur le talent des illustrateurs ou des photographes. Le joyeux bordel de "Sgt Pepper" ou la magnifique photo floue de "Blonde On Blonde" perdent pas mal de leur substance en passant au format c.d. Mais ça, les petits gars du marketing l'ont bien compris, et depuis un certain temps (depuis le début du déclin de l'empire, en fait), ils multiplient les packaging audacieux, les versions deluxe bourgeoises dégueulant de goodies et de bonus souvent inutiles. La pochette en relief et "animée" de l’édition "über luxueuse" de "Smile", le trésor exhumé des Beach Boys, le coffret ampli (en parfait état de marche) d'AC/DC, tout ça c'est bien beau, mais c'est du bullshit hors de prix. L'art de la pochette n'a rien à voir avec ce petit numéro d’illusionniste. C'est bien plus périlleux que cela.



Le premier album des Doors, à peu près toutes les créations d'Hipgnosis, le psychédélisme du Grateful Dead ou du 13th Floor Elevators, tout ça, c'est de l'art à l'état pur. Les clichés légendaires ne manquent pas, les Beatles traversant un passage clouté près d'Abbey Road, les Stones éreintés dans la fraîcheur matinale sur "Between The Buttons" ou encore les Ramones en sublime noir et blanc sur la couverture de leur premier album. Du grand art je vous dis. Des images, des icônes, qui finissent par tapisser les chambres d'ados du monde entier. La passion née du désir, les vocations aussi. Il n'est donc pas illogique de voir fleurir dans toutes les boutiques pour hipsters des cadres pour joliment emprisonner vos vinyles, tant le format incite à l'exhibition. On achète presque un L.P comme on achète une toile de maître. Pour la pochette autant que pour la musique. Une véritable galerie d'art, un muséum de la pop culture à la portée de tous (ou presque). Parfois la simple vue d'une pochette fait naître les désirs les plus fous, et tant pis si au final le parfum n'est pas à la hauteur de son flacon. 


A l'heure du mp3 et du tout dématérialisé, l'art de la pochette a t-il encore un droit de cité? Quelle peut bien être l'utilité d'une pochette réduite à l'état de minuscule photo numérique sur un écran tout aussi minuscule? Même si là encore, il y a des efforts de faits, certains artistes tels que Björk, Neil Young et prochainement Lady Gaga tentent des choses, avec des applications aux visuels forcément interactifs. Mais au final, le constat reste le même qu'avec les fameuses "Mega-deluxe-edition-de-la-mort" sus-citées, c'est bien joli, mais ce n'est qu'un triste tour de passe-passe.

La pochette vivra, tant que vivra le vinyle! C'est aussi simple que cela, ce ne sont pas les illustrateurs de talents qui manquent.

lundi 22 juillet 2013

N°109 - THE WHITE STRIPES - Elephant - 2003


Dix ans déjà, putain dix ans.

Le grand oeuvre de Jack et Meg, l'album de la révélation, de l'explosion même. Ce disque fut LE véritable catalyseur (avec le premier Strokes peut-être) du retour du rock sur le devant de la scène en ce morne début de décennie. Disons pour simplifier que c'est le "Nevermind" des années 2000. Premier album du groupe enregistré en-dehors des Etats-Unis, au studio Toe-Rag de Londres pour être exact, un lieu réputé pour être resté bloqué dans les années 60-70, puisque entièrement analogique. La routine pour Jack White le puriste. 

Mais toute médaille a son revers, et très vite "Seven Nation Army" deviendra, bien malgré lui, un hymne pour stade, beuglé par des millions de beaufs amateurs de ballon rond. S'en suivront remix techno et "pooo popo po po pooo po" à presque chaque soirée. D'autant plus rageant que la plupart du temps cette meute de têtes pleines d'eau n'a même pas connaissance du "Seven Nation Army" originel et de son riff dévastateur à mille lieux de leurs éructations bas de gamme. Mais passons sur le triste destin de ce morceau pour nous pencher plus en détail sur l'objet de cette chronique. "Elephant", l'album de la rupture, déjà, l'album qui faillit rendre fou notre bon Jack White. Le chanteur-guitariste jugeant son disque médiocre en repoussa même la sortie. Preuve que l'on est forcément mauvais juge de son oeuvre. 

Démarrage en trombe avec le tube sus-nommé, suivi de près par un "Black Math" dévastateur. Ambiance électrique de rigueur! Pas le temps de reprendre son souffle que déboule "There's No Home For You Here", l'un des ces rock cools dont Jack White a le secret. S'en suit un dynamitage en règle de "I Just Don't Know What To Do With Myself" une ballade rendue célèbre par la superbe Dusty Springfield, les cordes moelleuses de l'originale cèdent leur place à un flot de guitare rageuse apte à perforer les tympans les plus aguerris. Mais la véritable perle noire se nomme "Ball And Biscuit"; derrière ce titre pour le moins énigmatique se cache en réalité un blues rugueux et diabolique. Un vortex de saturation et de guitares folles toujours prêtes à vous mettre K.O, peut-être le plus beau moment de la carrière de ce bon vieux Jack, toutes formations confondues. Autre tube, autre mœurs, "The Hardest Button To Button" est à la fois répétitif et inventif, hésitant et déterminé, un morceau hors-norme. Jack White y développe encore un peu plus ce phrasé proche du rap qui fait toute la différence. L'album se clôt en un triolisme vocal torride entre Jack, Meg et la talentueuse Holly Golightly; "It's True That We Love One Another" lorgne vers la country, celle de Johnny Cash et des Outlaws.

"Elephant" est un classique, tout dans ce disque est grandiose, le contenu comme le contenant. Un album de légende, déjà.

vendredi 12 juillet 2013

N°108 - GRANDADDY - Just Like The Fambly Cat - 2006


Des adieux, provisoires si l'on en croit la rumeur, mais des adieux d'une grande beauté. Lorsque parait "Just Like The Fambly Cat", Grandaddy appartient déjà au passé, un ultime tour de piste en somme. Le groupe de Modesto, drivé par son leader Jason Lytle, a toujours publié des albums magnifiques en marge du système, de la pop-geek solaire, grave et planante visant les étoiles. Si "The Software Slump" publié au printemps 2000 est souvent considéré, à juste titre, comme le chef-d'oeuvre du groupe, il ne faut pas pour autant faire l'impasse sur le reste de leur discographie, tant celle-ci est riche. Même si "Fambly Cat" ne jouit pas de la même réputation que les deux albums précédents, il n'en est pas moins intéressant, loin de là. Bourré de bonnes chansons, celui-ci est un voyage mélancolique prisonnier d'un été sans fin. 

"Summer...It's Gone" possède la nostalgie de ces longs jours de fin d'été, quand la fête est finie et qu'il faut replonger vers l'hiver et sa rudesse. Déjà le vent se lève et emporte avec lui la juvénile douceur de la saison des amours. "Rear View Mirror" est empreint du même syndrome. Si la vie est une longue route, un regard dans le rétroviseur nous permet de voir une dernière fois les proches disparus et les amis perdus, jusqu’à ce qu'ils ne soient plus qu'un point sur l'horizon. Plus loin le refrain-chat de "Where I'm Anymore" offre une certaine légèreté à la mélancolie ambiante. La nostalgie émanant de la grande majorité de l'album est encore renforcée par les titres plus rapides et punk que sont "50%" ou "Skateboarding Saves Me Twice"; en ressort un sentiment délicieux de rollercoaster émotionnel. Du grand art. La pureté tragique de "Guide Down Denied" et son final intense ne sont pas à prendre à la légère, sous peine d'y laisser son intégrité sentimentale.

Il parait qu'un nouvel album est dans les tuyaux, le groupe s'étant reformé pour la tournée des festivals. Un nouveau Grandaddy en cette période morose est la meilleure chose qui puisse nous arriver.

mercredi 10 juillet 2013

N°107 - THE RAMONES - It's Alive - 1979


Pierre angulaire du punk et pièce de choix dans la discographie des faux-frères New-Yorkais, "It's Alive" est un parfait résumé de ce que délivraient sur scène les Ramones au tout début de leur carrière. Même si aujourd'hui d'autres témoignages de la même époque ont fleuri dans les bacs des disquaires, ce premier live officiel demeure malgré tout ce qui se fait de mieux dans le domaine. Moins d'une heure de musique et 28 titres régurgités en mode bombardier par un groupe au sommet de son art. Les ingrédients idéaux pour un cocktail explosif! 

Tous les morceaux forts des trois premiers albums sont réunis sur "It's Alive", mais ils prennent ici une toute autre dimension. Speedés à mort, envoyés à la face du monde avec une telle frénésie cartoonesque que cela en devient sublime. Dès les premières notes de "Rockaway Beach" agrémentées du désormais célèbre one, two, three, four de Dee Dee Ramone, l'auditeur prend un mur de son en pleine gueule. Un maelstrom sans fin aussi dévastateur qu'une guerre-éclair ("Blitzkreig Bop"). Les reprises de standards des 50's et 60's sont tout aussi démentielles, pour preuve cette version surréaliste de "Surfin' Bird" des Trashmen, un truc tellement furieux qu'il fait passer lesdits ramasseurs d'ordures pour de gentils employés de bureau. C'est dire.

"It's Alive" clôt avec brio ce que l'on peut aisément appeler la période punk des Ramones., celle que beaucoup préfèrent, à tort ou à raison. Après cela, le groupe publiera, bon an mal an, des disques plus pop ou carrément hardcore  avec une qualité plutôt variable, mais jamais dénués d'intérêt.

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samedi 6 juillet 2013

Détournement de pochettes

Voici un petit florilège de pochettes de disques détournées comme on en trouve beaucoup sur l'internet. Des lolcats, du geek et du moins geek, il y en aura pour tous les goûts. Et comme le chantait si bien Dutronc, tous les goûts sont dans ma nature. Saurez-vous reconnaître l'originale de la copie? Bon week-end à tous et Enjoy!




lundi 1 juillet 2013

N°105 - THE WHO - A Quick One - 1966


Lequel des qui? C'est toujours la même affaire lorsqu'on s'attaque à un groupe-monument. Quel album choisir, que dire de plus que ce qui a déjà été dit? Dans ce cas, en règle générale j'évite de parler du disque "culte" et je frappe juste à côté, sur le petit frère famélique mais néanmoins important et même parfois supérieur. C'est précisément cette méthode de travail qui m'a conduit dans les bras de "A Quick One". Un album hybride coincé entre "My Generation", un premier essai majestueux, et "Sell Out" que je considère comme le meilleur des Who. "A Quick One" est une hydre, une oeuvre multiple, une collision d'individualités qui donne le meilleur; l'un de ces paris suicidaires que seuls les braves osent tenter. 

Commençons par la pochette, assez troublante, car là où celle de "My Generation" exposait fièrement quatre mods prêts à en découdre bien drapés dans leur Union Jack (du moins pour Entwistle et sa superbe veste), celle-ci nous offre un canevas psyché assez vilain qui préfigure "Yellow Submarine". Un revirement esthétique qui n'augure rien de bon, et pourtant ce "petit coup vite fait" est une franche réussite, aussi bien lors de ces moments de pure-pop que dans ces folies Monty-Pythonesque.

Dans la grande tradition British, "Run Run Run" défouraille sec avec sa grosse guitare et sa rythmique endiablée, en prime Daltrey n'en fait pas encore des tonnes. Déboule ensuite "Boris The Spider", une folie drivée par la basse lourde d'Entwistle; les coeurs sont juste exquis et divinement drôles. Ce qui est marquant avec les Who "première époque" c'est la faculté qu'avait le groupe de conserver un charme très anglais malgré une lourdeur peu commune, un véritable numéro de funambule musical. Avec "Cobwebs And Strange" la fanfare déglinguée s'envole vers la lune; non-sens assumé et folie pure. "A Quick One, While He's Away" l’inénarrable final préfigure déjà tous les opéra-rock à venir, la fraîcheur en plus, le melon en moins. Condensé d'une époque, neuf minutes de grâce. Ultime synthèse. 

De par son hétérogénéité "A Quick One" n'est pas le disque des Who qui entrera dans l'histoire, mais celui-ci est bien plus digeste qu'un "Tommy" et finalement un plus agréable compagnon de route que "Who's Next".

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